Одиссея модерна. Япония

Тема в разделе "Эпохи и стили", создана пользователем takedo, 13 мар 2022.

  1. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    С интересом просмотрев тему Ондатра "Модерн и ар-деко в Японии", решил рассказать подробнее о некоторых художниках и архитекторах.
    Всем известно, что японское искусство в значительной мере повлияло на становление модерна на Западе. Но ведь был и обратный процесс! Каков он? Кто эти японские художники, дизайнеры, мастера прикладного искусства, архитекторы, заметившие краткую, но впечатляющую вспышку «нового искусства» в Европе и попытавшиеся разжечь её в Японии? Об этом в русскоязычных источниках не говорится почти ничего.
    Особенно заметным распространение японского модерна было в архитектуре и дизайне. Строительство, прежде всего, правительственных сооружений в западном стиле продвигалось с целью показать миру, да и себе, что Япония ⸺ развитая страна, идущая в ногу со временем. В графическом дизайне это было связано с развитием культуры потребления, требовавшей рекламы, афиш и прочей печатной продукции. Возросла потребность в иллюстрировании книг и журналов, которых появлялось всё больше. С развитием техники печати в начале ХХ века крупные города Японии стали расцвечиваться афишами театров, плакатами, рекламами магазинов, в которых ощущалось дыхание модерна, известного в Японии преимущественно в интерпретации французского ар-нуво в прикладном искусстве и графическом дизайне, в архитектуре же преобладал сецессион. Именно в это время в Японии появляется профессия «дизайнер», как и само слово «дизайн».
    Как показал предварительный просмотр материала о японском модерне, в нём не появилось фигур уровня Мухи, Бердслея, Бакста, Гауди или Ван де Вельде. Тем не менее, сам процесс реимпорта и его результаты интересны как факт, открывающий страницу в истории японской культуры.
     
    Последнее редактирование: 13 мар 2022
    La Mecha, Ондатр и list нравится это.
  2. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Асаи Тю

    Асаи Тю 浅井忠 (1856 – 1907), считающийся одним из лучших пейзажистов западного стиля ёга, родился в семье самурая княжества Сакура (ныне преф. Тиба). С 13 лет он обучался у местного художника «южной школы» нанга Куронумы Кайдзана живописи в жанре «цветов и птиц» катёга, проявив немалый талант.
    Переехав в 1873 году в Токио, Асаи приступил к поискам места в жизни, меняя одно место обучения за другим, но постоянно испытывая интерес к западной культуре. Сначала он поступил в частную школу английского языка, однако через два год бросил её и стал осваивать масляную живопись в художественной школе Сёгидо. Отучившись в школе год, Асаи решил пойти в Императорский технический колледже, где имелся факультет изящных искусств. На этом факультете он продолжил изучение масляной живописи под руководством итальянского художника Антонио Фонтанези. На этот раз всё шло хорошо, но в 1978 году Фонтанези покинул Японию, и Асаи вместе с десятью другими учениками, не удовлетворёнными преподаванием преемника Фонтанези, бросил колледж и организовал «Группу одиннадцати», участники которой занялись самообразованием.
    Начиная с 1888 года, картины Асаи Тю начинают выставляться. Среди них «Поля весной» (1888), «Урожай» (1890), получивший статус национального культурного сокровища.

    Поля весной (1888) 2.jpg

    Урожай (1890) 2.jpg

    В 1898 году Асаи поступает преподавателем в Токийскую школу изобразительных искусств (ныне Токийский университет искусств) и через два года направляется Министерством образования на учёбу во Францию, где как раз в это время, в период расцвета ар-нуво, в Париже открылась Всемирная выставка. На Асаи Тю, исполнявшего обязанности временного аудитора японского павильона, работы в стиле «нового искусства» произвели сильное впечатление. Ему вдруг стало казаться, что японские картины сухи, бесцветны и лишены жизненной энергии.
    По возвращении на родину в 1903 году Асаи открыл Институт запанной живописи Сёгоин в Киото, что во многом способствовало распространению в стране школы ёга и развитию декоративно-прикладного искусства. Кроме того, он основал ассоциацию, объединяющую дизайнеров, гончаров и мастеров лака, благодаря которой в мире ремесел Киото появился стиль с обновлённым дизайном.
    в последние годы жизни Асаи уделял много внимания иллюстрированию книг, ксилографии, занялся дизайном керамики и лаковых изделий. В 1905 году для «Охотничьей комнаты» дворца наследного принца Иосихито была написана картина «Самурайская охота». Работа была хорошо принята, но Асаи считал, что ей не хватает декоративности.

    Самурайская охота (1905).jpg

    В отличие от аккуратных живописных работ предшествующего этапа, росписи изделий, создававшиеся Асаи в 1902 – 1907 годах смелы и динамичны, примером чему может служить дизайн вазы «Цветение сливы» или лаковой шкатулки «Осенний ветер» (1906) с кабанами, стремительно несущимися на встречу резкому осеннему ветру, пригибающему траву. Поблескивание кабаньих глаз, клыков и лепестков колокольчиков, выполненных из перламутра, придают изображению ещё большую динамичность. Как-то Асаи Тю в шутку сказал, что у него тоже есть хайку. Не трёхстишие ли Басё имел он в виду?

    Даже дикого кабана
    Закружит, унесет с собою
    Этот зимний вихрь полевой!

    Акварель Асаи Тю «Цветы» (1902 – 1907) украсили афишу выставки «Миссионер ар-нуво. Асаи Тю и современный дизайн» в Музее Ямадзаки Мадзаку в г. Нагоя. Изящные изгибы стеблей, усиленные извивающимися нитяными линиями, приглушённые краски ⸺ всё это говорит о принадлежности рисунка к «новому искусству». Прекрасна и роспись вазы «Цветение сливы», а ксилография «Весенний ветер» (1908) из «Сборника дизайна Мокуго» не уступает в динамичности кабанам.

    Осенний ветер.Лковая шкатулка (1906) 2.jpg

    Цветы 2.jpg

    Цветение сливы.Ваза, керамика (1902 - 1907) 2.jpg

    Весенний ветер (1908) 2.jpg

    Однако со стороны приверженцев реформы прикладного дизайна, предлагавшейся мастером гончарного искусства Томимото Кэнкити 富本憲吉 и призывавшей к упрощению изображений, звучала критика работ Асаи Тю. Они считали, что Асаи не смог до конца освободиться от влияния старинной художественной школы римпа 琳派, славившейся, среди прочего, склонностью к декоративности. По мнению сторонников реформы, в отличие от выдающегося художника римпа Корина 光琳, который имел собственный взгляд на природу, он смотрел на природу глазами Корина.
    Тем не менее, следует помнить, что Асаи Тю, будучи японским художником, даже в картинах ёга никогда полностью не порывал, да и при всём желании не мог порвать с японской художественной традицией, как, впрочем, Томимото Кэнкити, удостоенный титула «Живое национальное сокровище».
     
    La Mecha, Ондатр и list нравится это.
  3. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Томимото Кэнкити

    Художник-керамист, видная фигура в мире японского искусства, «Живое национальное достояние» Томимото Кэнкити 富本憲吉 (1886 – 1955) родился в посёлке Андо префектуры Нара в семье крупного помещика. В 1904 году он поступил в Токийскую школу изящных искусств по специальности «архитектура и декорирование интерьеров», где его чрезвычайно заинтересовали идеи английского художника, писателя, теоретика искусства Уильяма Морриса, основателя движения «Искусства и ремёсла». Заинтересовали настолько, что после окончания школы Кэнкити отправился в Лондон, чтобы учиться в Центральной школе искусств и дизайна.
    В 1910 году Кэнкити получил письмо от родителей с требованием вернуться, что он и сделал. По возвращении на родину Кэнкити поступил в строительную компанию Shimizu Corporation, но вскоре уволился оттуда, а в 1912 году опубликовал в журнале «Новости искусства» статью «Об Уильяме Моррисе». Тогда же он познакомился с художником Бернардом Линчем, увлёкшимся японской керамикой и к тому времени уже преуспевшим в этом искусстве. Увлечение Линча передалось и Кэнкити. На своём заднем дворе он построил простую печь для обжига и начал изготавливать чашки для чайной церемонии раку. В 1915 году у Томимото была уже настоящая печь, и он серьёзно занялся освоением гончарного искусства, посвятив себя дизайну, моделированию белого фарфора и его орнаментированию, открыв новые горизонты в цветной росписи фарфора. Томимото изобрёл технику одновременного обжига золота и серебра путём смешивания золота и платины с серебряным шламом, разработал орнамент с вайями папоротника.

    Папоротнгиковый узор.jpg

    Папоротнгиковый узор.Фрагмент блюда.jpg

    Другое излюбленное растение Кэнкити – чертополох, часто встречающийся в декоре модерна. Его изображение появилось уже в ранних набросках и чашках раку 1910-х годов.
    На выбор растения для рисунка повлияло желание придать дизайну ощущение жизни, а для этого как нельзя лучше подходил чертополох, в котором чувствуется мощная жизненная сила. Она видна во всём: в выразительных стеблях и листьях с колючками, готовых постоять за себя, в ярких цветах, распускающихся всё лето.
    Через много лет, будучи в эвакуации в 1940 году, Томимото сетовал: «Там, где теперь живу / этот сильный, красивый цветок… / Очень грустно, когда его нет». (цитаты по Цутида Маки. Прикладное искусство 1910-х годов и мотив чертополоха).

    Чертополох.jpg

    Чертополох.Тарелка.jpg

    Ещё один дикорастущий цветок орнаментов Томимото ⸺ азиатский жасмин. Если чертополох символизирует мужскую силу Ян, то небольшие, нежные, источающие приятный аромат цветы жасмина – воплощение женственности. Но и жизненная сила присутствует в этой лиане, упорно тянущейся вверх, обвив толстый ствол дерева. Правда, в изображении её цветов Томимото допускает вольность, уменьшая количество лепестков с пяти до четырёх, видимо, из соображений удобства создания орнамента.

    Азиатский жасмин.jpg

    Использование в дизайне растительных мотивов на основе натурных зарисовок в начале эпохи Мэйдзи (1868 – 1912) становится всё популярнее. В статье «Мысли об узорах», опубликованной в журнале «Бидзюцу симпо» (Новости искусства»), Томимото писал: «Я вспомнил, что с весны прошлого года, у меня проблемы с узорами, поскольку я попал в ловушку старых образцов… Выбросив их из памяти, стал всматриваться в красоту полевых растений и с волнением создавать новые образцы дизайна… Я решил вовсе отказаться от рисования узоров в комнате и вышел со своим альбомом за город, сразу почувствовав облегчение».
    Разработка узора на материале зарисовок начиналась с того, что Томимото, изучая рисунок снова и снова, исключал из него второстепенные элементы, оставляя только самое необходимое для выражения души (тама) растения. Сейчас это кажется нормальным, но в то время было свежо и необычно. Без особого преувеличения можно сказать, что тема растений лежал в основе творчества Кэнкити. Отмечено также, что на поиски творческих идей в природе повлиял стиль ар-нуво, о котором он узнал, учась за границей. Благодаря этому он стал гончаром-первопроходцем, рассматривавшим ремёсла как высокое искусство наравне со скульптурой и живописью.
    Однако если ар-нуво способствовал поиску новых идей, то именно богатая природой среда родной префектура Нара воспитала его любовь к природе. Томимото, который вернулся в свой город и начал деятельность в качестве керамиста, создавал росписи изделий на мотив пейзажей Андо, такие, как «Внезапный дождь Яматогава», и работал с этими пейзажами до поздних лет.

    Внезапный дождь Яматогава.jpg

    Одно время Томимото симпатизировал движению «народного искусства» мингэй Янаги Соэцу, но отошёл от него. На каком-то этапе Томимото Кэнкити и Янаги Соэцу, шедшие одной дорогой, оказались на распутье и разошлись, не найдя компромисса между традициями народных промыслов, ориентированных на широкий рынок при соблюдении анонимности, и авторским подходом к изделию, называвшимся в то время «индивидуализмом в ремёслах».
    В 1935 году Томимото Кэнкити становится членом Императорской академии художеств, а в 1944 ⸺ профессором Токийской школы изобразительных искусств. В 1955 году он удостаивается титула «Живое национальное достояние».
     
    La Mecha и list нравится это.
  4. list

    list Модератор

    Сообщения:
    6.770
    Симпатии:
    3.471
    Спасибо за подробности, их часто не хватает при изучении или просто соприкосновении. Не всё разглядишь сразу. А в живом контексте судьбы автора, его личного пути, его взгляда на мир, переживания мира расцветает каждая деталь...

    И похож на дракона - видимо, ещё и поэтому так любим и модерном, и японцами. )
     
    Последнее редактирование: 17 мар 2022
  5. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    У японцев с драконами - скорее всего, но у европейцев были другие ассоциации. На самом деле, чертополох в изобразительном искусстве Европы начал использоваться довольно рано. Есть картина Дюрера "Автопортрет с чертополохом", относящаяся к 1493 году. Тогда он ассоциировался с терновым венцом Христа.

    Альбрехт Дюрер. Автопортрет с чертополохом. 1493.jpg
     
    La Mecha нравится это.
  6. list

    list Модератор

    Сообщения:
    6.770
    Симпатии:
    3.471
    В то время - да, это прежде всего венец мученичества. Но сменилось несколько эпох, и взгляд модерна, как мне кажется, несколько переосмыслил символический ряд, который даже изначально был всё же несколько более широк (например, чертополох входил в геральдику Шотландии и города Нанси, исторической столицы Лотарингии; кроме того, был известен как растение-целитель и использовался в магии, в том числе как оберег от злых духов). В общем звучании янской силы, стойкости чертополоха модерна невозможно не уловить ещё вот эти магические его нотки, как и отсылку к старой шотландской истории. По моим ощущениям, в переплетении растительной орнаментики доминирует именно вот эта совокупная магия образа и собственно магичность чертополоха.

    Anton Seder, Германия, 1890.jpg
    (Anton Seder, Германия, 1890)

    DSC00928.jpg
    (Германия, 1900)

    VLT_342_2_4_bajza42_SVI_3370.jpg
    (Будапешт)

    IMG_0888.jpg
    (Париж)

    17663264_1162831370511096_2297512937322971136_n.jpg
    (Бельгия)

    А отсюда уже меньше чем полшага до дракона. )
    Хотя вот на витражах, допустим, он отсылает именно к христианской трактовке, тут прямые ассоциации с храмовым светом.

    30750890327_3e9807597a_o_d.jpg
    (Испания)

    Простите, кажется, я увлеклась.
     
    Ондатр и takedo нравится это.
  7. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Да, даже удивительно, что такое не пользующееся любовью в народе, во всяком случае, русском, растение столь популярно в искусстве. Не связано ли это с идеей красоты зла (красота змеи), эстетизации безобразного?
     
  8. list

    list Модератор

    Сообщения:
    6.770
    Симпатии:
    3.471
    Об этом вам, наверно, лучше порассуждать с Максимом, как знатоком модерна.

    А я думаю, что европейский модерн делает попытку выйти за рамки дуальности добра и зла, обращаясь в частности к сказке, национальным сюжетам, вымыслу, истории как мифу и мифу как историям. Он не занимает ни одну из сторон, и в этом смысле он - алхимик, работающий с разными элементами, эссенциями, и переплавляющий-творящий эту самую сказку в новом облике, новом звучании. И на этой волне он так легко воспринял посыл из Японии, в мифологии которой те же драконы - существа не однополюсные, они часть мира, запредельного человеческим понятиям о добре и зле. Их много, самых разных, и они выполняют свои функции. И человек стремится найти гармонию всех этих энергий и мифо-духовных систем. Так и чертополох - возможно, оказался в поле внимания, поскольку скрывает в себе тайну, отсылает к мистической (и мифической) стороне жизни и довольно успешно отражает своим обликом - совсем не безобразным - те черты, о которых мы говорили выше.

    Может быть, в каких-то случаях это ещё и стремление показать уникальность простых вещей, недооценённых, неброских, а порой даже несимпатичных на первый взгляд, красота которых скрывается под внешне непримечательной формой. У японцев это в природе. Модерн же Европы принял это по-своему.
     
    Ондатр нравится это.
  9. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Да, это так. О связи чертополоха с потусторонним миром говорит само его название - изгоняющий чертей, заставляющий их всполошиться. Вполне вписывается в мистические настроения определённых слоёв общества того времени. Спиритизм там всякий...
     
    list нравится это.
  10. Ондатр

    Ондатр Модератор

    Сообщения:
    32.899
    Симпатии:
    13.415
    думаю, просто у любой культуры есть канон - отбор ограниченного числа сюжетов, а есть время преодоления границ канона. модерн был как раз таким временем. но предела не достиг )
    напомню, что ар деко например увлекалось кактусами и каллой )
     
    list нравится это.
  11. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Боюсь, что разговор о каноне в искусстве может увести нас слишком далеко от заявленной темы). Что же касается чертополоха, то меня всегда интересовали удивительные совпадения, неважно, в какой области культуры различных народов, а тем более, народов с таким разным менталитетом, как японский и европейский.
    Пути чертополоха в японском и европейском искусстве были отличны друг от друга, но сошлись в модерне. В Европе, как мне кажется, интерес к этому растению вызван его магическими свойствами и связанной с ними символикой, которая, будучи выражена средствами искусства, сама обретала эти свойства.
    В Японии этот путь проходил через природу и способы её отображения в искусстве. Чертополох стал присутствовать в гравюрах, керамике, прикладном дизайне в эпоху Эдо (1603 - 1868), но подход к его изображению постепенно менялся. В начале девятисотых художники стали проявлять повышенное внимание к диким полевым, придорожным травянистым растениям, причём начали рисовать их с натуры, чего раньше не было.
    В статье «Мысли об узорах», опубликованной в журнале «Бидзюцу симпо» (Новости искусства»), Томимото Кэнкити писал: «Я вспомнил, что с весны прошлого года у меня проблемы с узорами, поскольку я попал в ловушку старых образцов… Выбросив их из памяти, стал всматриваться в красоту полевых растений и с волнением создавать новые образцы дизайна… Я решил вовсе отказаться от рисования узоров в комнате и вышел со своим альбомом за город, сразу почувствовав облегчение.» (цит. по Цутида Маки. Прикладное искусство 1910-х годов и мотив чертополоха).
    При изменении подхода к изображению растений происходил отбор наиболее предпочитаемых, в числе которых был и чертополох. Вот тут то, в процессе отбора, и заявили о себе его магические свойства, особенно охранительные, столь необходимые в атмосфере неопределённости и неуверенность в завтрашнем дне как Японии, так и Европы начала века. Именно в эти недолгие годы японский и европейский чертополохи сплелись колючками в искусстве модерна).
     
    La Mecha и list нравится это.
  12. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Камисака Сэкка

    Художник и дизайнер Камисака Сэкка 神坂雪佳 (1866 – 1942) родился в Киото в семье самурая, служившего в охране императорского дворца. Сэкка – его псевдоним, настоящее имя — Ёситака神坂雪佳.
    В 16 лет Сэкка поступил в ученики к Судзуки Дзуигэну, художнику школы Сидзё, базирующейся на традиционном декоративном стиле и японской технике живописи, но тяготеющей к европейскому предметному реализму. Со временем Сэкка уделял всё больше внимания декоративности изображаемого, и в 1890 году начал постигать дизайнерское искусство у Киси Кокэя из школы Римпа, которой был просто очарован. Работы художников этой школы отличались яркостью красок, графичностью, чёткостью контуров, склонностью к декоративности — как раз тем, что ему так нравилось.
    В эпоху Мэйдзи с её усилившимся интересом к искусству Запада традиционные школы живописи стали угасать. Всё больше художников старались осовременить свои работы, внося в них черты европейского искусства, что поощрялось правительством. На этой волне в 1901 году Камисака Сэкка был «командирован» в Великобританию, где проходила Всемирная выставка, для освоения новых для Японии принципов и живописных приёмов. При этом в Европе как раз в это время был популярен японизм, и модерн, на который оказало влияние японское искусство, был в полном расцвете.
    Взглянул по новому на японское декоративное искусство и Камисака, став одним из первых на пути реимпорта модерна в Японию. Плавно изгибающиеся линии ар-нуво, асимметричность композиции заимствовать не пришлось. Они свойственны японскому изобразительному искусству изначально. Вернувшись в Японию, Сэкка начал создавать традиционные сюжетно, но стилистически тяготеющие к модерну произведения, ставшие более декоративными, с обрезом листа, зрительно расширяющим пространство, но и с упрощением формы
    Обрез листа не только расширяет пространство, но и помогает выразить то, что в японской эстетике называется ёдзё, термин, одним из многих оттенков смысла которого является недосказанность, намёк. Известный буддорог Дайсэцу Судзуки говорил о ёдзё: «Художник дзэн двумя-тремя словами или двумя-тремя ударами кисти способен выразить свои чувства. Если он выразит их слишком полно, не останется места для намёка, а именно в намёке заключена вся тайна японского искусства» (цит. по Григорьева Т. П. Японская художественная традиция. М., Наука, 1979)
    Что же касается лапидарности, то о ней хорошо сказал тот же Судзуки: «Простота формы не всегда означает тривиальность содержания» (Д. Судзуки. Введение в дзэн-буддизм. Бишкек, Одиссей, 1993
    Примером тому могут служить ксилографии из трёх сборников иллюстраций Камисаки Сэкки «Момоёгуса» (1909 – 1910) ⸺ признанных шедевров, демонстрирующих успешность обновления Римпа при сохранении основ традиционного стиля, таких, как «Белая цапля» (1909), «Пастушок» (1909 – 1910), «Весеннее рисовое поле» (1910).

    Момоягуса Белая цапля (1909).jpg

    Момоягуса Пастушок (1909 - 1910) 2.jpg

    Момоягуса Весеннее рисовое поле (1909 - 1910).jpg

    Композиция «Белой цапли» построена на наложении трёх плоскостей — стилизованной бамбуковой корзины на переднем плане, выполняющей роль кулисы, белой цапли за ней, пристально следящей за добычей где-то за обрезом листа, и заливного рисового поля.
    Теплотой веет от иллюстрации с пастушком, уютно пристроившимся к огромному быку. Такому огромному, что он не помещается на картине. Фигуры пастушка и быка оконтурены толстыми, мягко изгибающимися линиями, усиливающими ощущение интимности сценки.
    Обращает на себя внимание ксилография «Весеннее рисовое поле», ещё пустое, но в воображении идущего по меже крестьянина уже зеленеющее молодыми побегами. Геометричность композиции смягчается её колористическим решением — нежными красками весны — зелёной, розовой и жёлтой. В этой ксилографии наиболее ярко проявляется тенденция избирательного удаления деталей в пользу ярких плоских цветовых пространств.
    Особенно выразительна в этом отношении и гравюра «Мост яцухаси», помещённая в один из сборников. При сравнении с одноимённой ширмой Огаты Корина, основателя школы Римпа, изображения ирисов и моста значительно упрощены, лишены деталей и оттенков, контуры моделируются цветом и не прорисовываются линиями.

    Момоягуса. Мост яцухаси 2.jpg

    Огата Корин. Мост яцухаси.Фрагмент 2.jpg

    Интересно, что слово момоёгуса 百々世草, ставшее названием сборников Камисаки, встречается в одной из песен старейшей антологии японской поэзии VIII века «Манъёсю», где оно фигурирует в значении «сто-веков-трава":

    Отец и мать,
    За домом позади у вас в саду
    Есть “сто-веков-трава”,—
    Так сто веков на свете вы живите,
    До той поры, пока я не приду!

    Однако иероглиф «ё» 世 означает не только «век», но и «мир». Трудно сказать, имел ли это в виду Сэкка, давая название своим сборникам, но «сто миров» можно истолковать как сто миров искусства, поскольку в них приведены произведения не только изобразительного искусства, в частности, изображения трав (草), но и различных декоративно-прикладных искусств. Поэтому в англоязычной литературе названия сборников принято переводить как «Мир вещей». Ведь Камисака Сэкка занимался окраской тканей, гончарными и лаковыми изделиями, расписывал веера и кимоно и т. п., стремясь сократить разрыв между «чистым искусством» и прикладным, привнести искусство быт. Кимоно с изображениями, которые в своё время создал Сэкка, пользуются спросом и в наши дни.

    Камисака Сэкка. Современное кимоно.jpg 2.jpg

    Разрыв между изобразительным и прикладным искусством всегда был в Японии невелик, но он ещё более сократился благодаря присущим ар-нуво тенденциям и возникшему в 1920-х годах движению мингэй, а в Европе — «Искусство и ремёсла», зародившемуся на рубеже XIX – XX веков.
    Если говорить об орнаментальном ар-нуво, то в Европе его часто называли «макаронным искусством», или ещё более образно — «макароны в припадке горячечного бреда». Сэкка тоже подшучивал над такого рода графическим дизайном, называя его «искусством удон» (удон — японская лапша) и говоря: «Посмотрите на форму, фонтанирующую, словно лапша, вываливающаяся из чашки».

    Камисака Сэкка Макаронное искусство (1903).jpg
     
    La Mecha и list нравится это.
  13. Ондатр

    Ондатр Модератор

    Сообщения:
    32.899
    Симпатии:
    13.415
    Школа Римпа вообще была очень созвучна модерну и по практике и по теоретическим установкам.
    Поэтому всегда есть момент неопределённости. Мог например стиль Камисаки развиться на чисто японском материале, без посредства французов?
    Такое впечатление, что да )
     
  14. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Может, и мог бы. Если присмотреться к работам предшествующих Камисаке художников Римпа, то видны зачатки того, что сделал Камисака. но шёл бы этот процесс, как это принято на уважающем традиции востоке, многими десятилетиями. Камисака же сделал это резко, как делалось всё на переломе веков. Но посредством чего он это сделал, посредством французского ар-нуво, или европейской живописи вообще, что он воспринял именно из модерна - для меня вопрос.
    Хонами Коэцу 本阿弥光悦 (1558 – 1637) ⸺ художник, каллиграф, керамист эпохи Эдо, стоявший у истоков школы Римпа. Для него характерно было находить красоту в простых и естественных вещах и явлениях, с цветовой традиции эпохи Хэйан, что выражается в использовании ярких красок в создании произведений.
    Хонами поддерживал тесные отношения с художником Таварая Сотацу, который, как предполагается, украшал рисунками многие его каллиграфические работы.
    В 1615 году Хонами основал сообщество художников «Коэцу мати» («Деревня Коэцу») на северо-западе Киото в месте под названием Такагаминэ, которое предоставил ему Токугава . В этом месте Хонами Коэцу развивал свой уникальный стиль живописи, который впоследствии трансформировался в школу Римпа.
    К сожалении, картин Хонами этого периода найти не удалось.
    Таварая Сотацу 俵屋宗達 (1570 – 1640) разработал новую технику подачи цвета и линии, а также новую, популярную технологию живописи под названием тарасикоми, при которой одна из красок наносится на рисунке на другую, пока эта вторая остаётся ещё влажной[10]. Ему принадлежит также открытие новой техники одноцветной живописи, при которой тушь заменяла краску.

    Таварая Сотацу. Гэндзи могногатари. У прибрежных буйков.jpg

    Таварая Сотацу. Двойная ширма Бог ветра и бог грома (1624).jpg

    Таварая Сотацу. Тропинка с плющом (ХVII в.).jpg

    Огата Корин 尾形光琳 (1658 – 1716) ⸺ художник, считающийся основателем школы Римпа (иероглиф из его имени входит в название школы), но фактически лишь поднявший её на новую ступень.

    Огата Корин. Шестисттворчатая шима Ирисы (1701 - 1705).jpg

    Огата Корин. Шестисттворчатая шима Журавли.jpg

    Огата Корин. Лу Шан (1697).jpg

    Судзуки Киицу 鈴木其一 (1796 – 1858) ⸺ художник Римпа, подчёркивавший значимость пустого пространства и склонный к реализму.

    Судзуки Киицу. Шестистворчатая ширма Ипомеи (XIX в.).jpg


    Судзуки Киицу. Шестистворчатая ширма Горный поток осенью.jpg

    Судзуки Киицу. Шестистворчатая ширма Утки у воды (XIX в.).jpg

    Камисака Сэкка 神坂 雪佳 (1866 – 1942) художник и дизайнер начала XX века, причислявший себя к последователям художественной школы Римпа и ставший одним из первопроходцев в стиле модерн в Японии. Он использовал в работе яркие цвета и широкие цветовые плоскости, образы находились на грани между декоративностью и реализмом. Сэкка начал создавать традиционные сюжетно, но стилистически тяготеющие к модерну произведения, ставшие более декоративными, с обрезом листа, зрительно расширяющим пространство, но и с упрощением формы.

    Камисака Сэкка. Птицы на озере на закате.jpg

    Камисака Сэкка. Бамбук в снегу.jpg

    Камисака Сэкка. Момоягуса.Ёсино.jpg
     
    La Mecha и list нравится это.
  15. Ондатр

    Ондатр Модератор

    Сообщения:
    32.899
    Симпатии:
    13.415
    Тавараяj.jpg





    b7041c70136a.jpg c2eddf18e69e98daead0ffc51e56f036.jpg




    судзукии киицу.jpg


    Suzuki Kiitsu kiitsuMaple2.jpg

    Suzuki Kiitsu tumblr_n7twrpyGuf1qbidlso1_1280.jpg

    Suzuki Kiitsu tumblr_micc5yHRYf1qbyk5qo1_500.jpg

    Suzuki Kiitsu c1e6b1c242b9e955a7c838f92e669547.jpg

    Ватанабэ Сикко
    ватанабэiimg55635696.jpg

    Сакаи Хоицу

    сакаиb799c5e949675daf948d12729ed704a3.jpg

    24eddf4dc87c106e49213873f5ed80c6.jpg сакаи 77.jpg

    63118a0442cbdca098058bd4dd2ae125.jpg
     
    La Mecha, list и takedo нравится это.
  16. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Кобаяси Каити

    Кобаяси Каити 小林かいち (1896 – 1968), художник-ксилограф и дизайнер, родился и прожил почти всю жизнь в Киото. О жизни этой известно мало. Его настоящее имя ⸺ Кобаяси Каитиро. После окончания Киотской школы изобразительных искусств (ныне Киотский университет искусств), Кобаяси работал дизайнером кимоно, потом занимался дизайном конвертов, открыток, календарей и т. п., работал в сувенирном магазине «Сакураия».
    В 1942 году он женился, появилась семья, и Кобаяси, чтобы заработать на жизнь, поступает дизайнером набивного шёлка сэнко в красильную компанию «Васими сэнко».
    Несмотря на скромное положение Кобаяси Каити в обществе, его работы достойны всяческого внимания. В своё время его открытки и конверты, выполненные в технике ксилографии, завоевали репутацию у девушек, такую высокую, что на рынке появились подделки. Два конверта Кобаяси описаны даже в романе Танидзаки Дзюнъитиро «Мандзи» («Свастика», в английском переводе «Зыбучие пески»).
    Однако с 1930-х годов о Кобаяси Каити начали забывать. Его работы интересовали только любителей антиквариата и коллекционеров открыток. Вспомнили о Кобаяси лишь в девяностых годах. В центре внимания знатоков он оказался после выставки «Коллекция Лаудера. Красивые японские открытки», состоявшейся в Бостоне в 2004 году. Даже для многих знатоков работы Кобаяси, экспонировавшиеся на выставке, оказались открытием.
    Его называли «загадочным лирическим гравёром», в рисунках которого ощущается экспрессия декоративности Бердслея, элегантность Жоржа Барбье и внутренний мир журнала группы молодых японских художников «Лунный свет» («Цукухаэ») с их декадансом и таинственностью. Немалую роль в создании декоративного эффекта работ сыграло и прекрасное чувство цвета: насыщенный красный с лёгким желтоватым оттенком и яркий розовый, ярко красный и чёрный, розовый и чёрный, постепенные переходы от густого цвета к слабому, а также сочетание изгибающихся линий с геометрически строгими элементами.
    Тематически связанные открытки продавались комплектом по четыре штуки в упаковках, дизайн которых тоже разрабатывал Каити. Чаще всего эти открытки рассказывали маленькую историю, как в комплекте «Вечер, сумерки, жду тебя», «Дорожная тоска» или совсем грустном ⸺ «Девичья юность», состоящем из открыток «Ожидание» (черви), «Подозрение» (пики), «Горе» (бубны) и «Отчаяние» (трефы). И всё это на фоне карт ⸺ предсказателей судьбы. Из японского названия комплекта «Канодзё-но сэйсюн» становится понятнее, что тут происходит. Дело в том, что канодзё ⸺ это не просто девушка, а чья-то девушка, девушка молодого человека. И вот она его ждёт, коротая время за бокалом вина, а его всё нет. Вдруг девушка оборачивается и видит что-то, что повергает её в горестное уныние. Что же тут делать? Остаётся просто напиться.

    Комплект открыток Вечер, сумерки, жду тебя.jpg

    Комплект открыток Дорожная тоска.jpg

    Ожидание, подозрение, горе, отчаяние.jpg

    Небольшие конверты однотипного дизайна продавались по пять штук в упаковке, перевязанной лентой. Их дизайн называли «киотский ар-деко». Такие художественные конверты не посылались по почте, а передавались через посыльного или из рук в руки и были чрезвычайно популярны у девушек. Они не только содержали девичьи послания, но и сами ощущались как девичьи благодаря своим изящным размерам, стилистике и сюжетам рисунков.

    конверты.jpg

    Примечательно, что у многих женщин на рисунках Каити нет лиц. Видимо, он считал, что сама поза женщины и вся атмосфера гравюры может в достаточной мере выразить настроение персонажа. А может быть, Каити лишал персонажа конкретности, изображая обобщённый образ.
    Наконец, слухи о «загадочном художнике» доходят до Японии. О степени этой загадочности говорит тот факт, что его младший сын был поражён, узнав, что художник Кобаяси Каити и его отец Кобаяси Каитиро ⸺ один человек.
    В 1907 и 1908 годах в информационном центре Киотского университета Сэйка прошли выставки под названием «Мир Кобаяси Каити ⸺ сущность киотского ар-деко», а в 2009 году в июльском номере токийского журнала издательства «Сэйрю» была опубликована статья «Мир Кобаяси Каити ⸺ видение киотского ар-деко», посвящённая пусть и запоздалому, но открытию замечательного художника.
     
    La Mecha и Ондатр нравится это.
  17. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Ондатр, года два назад в какой-то из моих тем в связи с домами европейского типа в японских усадьбах начала века вы посетовали, что нашли только две усадьбы с домами в стиле модерн. Не помните ли, где это было? Не могу найти.
     
  18. Ондатр

    Ондатр Модератор

    Сообщения:
    32.899
    Симпатии:
    13.415
    Сейчас уже не помню. С тех пор нашлось больше )
     
  19. list

    list Модератор

    Сообщения:
    6.770
    Симпатии:
    3.471
  20. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Да, это она, спасибо! Назовите, пожалуйста, какие ещё нашли. Нужно рассмотреть их подробнее. Я тоже нашёл, одну, но зато её особняк считается лучшим образцом стиля ар-нуво в усадьбах Японии начала века (1911). Это усадьба Тацуно Кинго 辰野金吾 (1854 – 1919) .
     
  21. Ондатр

    Ондатр Модератор

    Сообщения:
    32.899
    Симпатии:
    13.415
  22. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
  23. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Фудзисима Такэдзи

    Художник, работавший в европейском стили живописи ёга, Фудзисима Такэдзи 藤島武二 (1867 – 1943) родился в замке Кагосима (провинция Сацума) третьим сыном в семье бывшего самурая клана Симадзу. Два его брата погибли в ходе Сацумского восстания 1877 года, последнего выступления оппозиционного самурайства против ориентированного на Европу правительства Мэйдзи. Это восстание в романтизированном виде знакомо российскому зрителю по фильму Эдварда Цвика «Последний самурай».
    После смерти братьев десятилетний Такэдзи был принят в семью местным даймё, обратившим внимание на склонность мальчика к рисованию. В 17 лет Такэдзи отправился в Токио, где поступил в ученики к художнику японской школы живописи нихонга Кавабате Гёкусё. Однако в 24 года он увлёкся ёга и в 1896 году по рекомендации Куроды Сэйки, ставшим впоследствии известным художником западной школы, был принят доцентом в Токийскую школу изящных искусств (ныне Токийский университет искусств).
    В этот период Такэдзи начал проявлять интерес к стилю ар-нуво. Иллюстрированную им в 1901 году обложку сборника стихов поэтессы Ёсано Акико «Спутанные волосы» принято считать одним из лучших образцов графического дизайна «нового стиля» в Японии. В этой работе с довольно наивной, новой для Японии символикой пронзённого сердца, ощущается влияние Альфонса Мухи (1860 – 1939), непревзойдённого мастера декоративного дизайна, иллюстратора и плакатиста. Однако в сборнике стихов — это стрела любви к поэзии, символ которой — цветок на конце стрелы.

    Фудзисима Ткэдзи.Обложка сборника стихов Спутанные волосы (1901).jpg

    Альфонс Муха. Плакат Job (1896).jpg

    В тот же период им написана серия красочных акварелей «Шесть музыкальных звучаний» (1901 – 1905): «Ручной барабанчик», «Сямисэн», «Бива», «Флейта», «Скрипка» и «Пианино». И снова ассоциация — с прерафаэлитами, картины которых Фудзисима Такэдзи мог видеть, — «Рождественский гимн» Габриеля Россетти. Примечательно, что на этих акварелях присутствуют три японских инструмента, два европейских и связующее звено между Японией и Западом — флейта.

    Рождественский гимн.Д.Г. Россетти (1868).jpg

    Фудзисима Ткэдзи.Три музыкальных звучания.Ручной барабанчик (1901 - 1905).jpg

    Фудзисима Ткэдзи.Три музыкальных звучания.Сямисэн (1901 - 1905).jpg

    Фудзисима Ткэдзи.Три музыкальных звучания.Бива (1901 - 1905).jpg

    Фудзисима Ткэдзи.Три музыкальных звучания.Флейта (1901 - 1905).jpg

    Фудзисима Ткэдзи.Три музыкальных звучания. Скрипка (1901 - 1905).jpg

    Фудзисима Ткэдзи.Три музыкальных звучания.Пианино (1901 - 1906).jpg

    К 1905 году относится и его триптих «Три сиянья (звезда, солнце, луна)». «Звезда» (лат. stella) — головка задумчивой женщины в окружении знаков зодиака, являющаяся парафразом литографии Альфонса Мухи «Зодиак», полное величия «Солнце», немного напоминающее Сару Бернар с плаката того же Мухи, и «Луна» со своим неизменным спутником — зайцем, готовящим эликсир бессмертия.

    Альфонс Муха. Зодиак (1896).jpg

    Альфонс Муха. Рекламный плакат для Сары Бернар (1896).jpg

    Фудзисима Ткэдзи. Три сиянья (Звезда, Солнце, Луна) (1905).jpg

    Но какое отношение к луне имеет стрела? Возможно, этот сюжет навеян мифом об Амэ-но-хохи-но ками — Боге Небесного Рисового Колоса, который был послан на землю для усмирения «буйствующих земных богов». Истекло три года, а посланец всё не возвращался и не докладывал о своём поручении. Тогда за ним отправили Амэ-но-вакахико — Небесного Молодого Юнца, пожаловав ему Небесный Олений Лук и Небесные оперённые стрелы. Но и тот, как только спустился на землю, сочетался с дочерью земного бога Оо-кунинуси-но ками, в течении восьми лет не возвращался и не докладывал. Тогда боги послали на землю Фазана по имени Накимэ — Плачущая Женщина. «И вот, когда Накимэ спустилась с небес, уселась на многоветвистом дереве кацура, что [стояло] у ворот Амэ-но-вакахико, и сказала в точности по велению небесных богов. Тогда Амэ-но-сагумэ — Небесная Мудрая Женщина услыхала, что эта птица говорит, Амэ-но-вакахико передала и сказала: «Крик этой птицы очень плохой. Потому нужно её подстрелить», — так посоветовала, и тут же Амэ-но-вакахико взял Небесный Лук из дерева Хадзи [и] Небесную Оленью Стрелу, что [ему] пожаловали небесные боги, и того Фазана подстрелил» (Кодзики. Свиток I).
    Из приведённого фрагмента видно, что в мифе упоминается стрела и гигантское дерево кацура, растущее на луне. На луне живёт и человек по имени Кацура-отоко, который регулярно подрезает дерево, и чем больше он его подрезает, тем ущербнее становится луна, пока не превратится в месяц, подобный луку.
    С другой стороны, имя лунного божества Цукуёми-но микото, Бога Счёта-Лун, связанного с лунным календарём, иногда записывается как Цукуюми («Лунный лук»). Всё это — месяц, лук, дерево кацура, лунного зайца — Такэдзи связал в едином образе.
    В год написания триптиха Министерство просвещения направило Фудзисиму Такэдзи на четырёхлетнюю учёбу во Францию и Италию. По возвращении на родину его ждал перевод на должность профессора, на которой он проработал 30 лет.
    В 1937 году Фудзисима стал первым человеком, награждённым японским Орденом культуры за вклад в области культуры и искусства.
     

    Вложения:

    La Mecha нравится это.
  24. TopicStarter Overlay
    takedo

    takedo Вечевик

    Сообщения:
    354
    Симпатии:
    607
    Накадзава Хиромицу

    Художник западного стиля, гравёр и иллюстратор Накадзава Хиромицу 中沢弘光 (1874 – 1964) родился в Токио в семье самурая, бывшего вассала даймё клана Сатохара. Хиромицу рано потерял родителей и воспитывался строгой бабушкой. В 13 лет он поступил в ученики к художнику ёга Сояме Сатихико 曽山幸彦, после смерти которого перешёл к Хориэ Масааки 堀江正章, тоже художнику западной школы. В 1900 году Хиромицу окончил Токийскую школу изящных искусств, где учился у известного художника школы ёга Куроды Сэйки вместе с Сугиурой Хисуем 杉浦非水. Оба студента были очарованы стихами готовящегося к изданию сборника стихов Ёсано Акико 与謝野晶子 «Спутанные волосы» с обложкой Фудзисимы Такэдзи, и даже нарисовали на темы стихов карты, развлекаясь игрой в свободное время.

    Карта на стихи Ёсано Акико 2.jpg

    Карта на стихи Ёсано Акико 3.jpg

    Карта на стихи Ёсано Акико.jpg

    В этот же период оба друга занялись дизайном открыток, брошюр, иллюстрированием журналов и книг, оформлением их обложек, пробуя себя в стиле ар-нуво. Эти работы, может быть, и не являющиеся произведениями высокого искусства, позволяют ощутить аромат начала нового века, полного ожиданий, поисков и открытий.

    Открытка из серии Красавицы и чувства - Девушка... прикосновение (1905).jpg

    Открытка из серии Красавицы и чувства - Майко... дрёма (1905).jpg

    Открытка из серии Красавицы и чувства - Ученица... аромат (1905).jpg

    Обложка журнала Синсёсэцу 1912, №5. Храм Сюнсёдо.jpg

    Фронтиспис журнала Мёдзё, 1905, №9. Жрица Касуга.jpg

    Фронтиспис книги Косуги Тэнгая Адский ветер любви (1904).jpg

    В 1907 году прошла очередная ежегодная художественная выставка Министерства образования, на которой работы Накадзавы в западном стиле получили высокую оценку как художника западного стиля. Однако от юношеского увлечения ар-нуво он стал отходить. На выставке Министерства 1909 года картина Накадзавы «Воспоминание» («Омотодэ») получила высшую награду.
    Сюжет картины навеян легендой, связанной с построенном по повелению императрицы Комё (701 – 760) храме Хоккэдзи. В легенде говорится о необычайном событии, произошедшем в 1263 году. В один из июньских дней три монахини увидели чудесный свет, исходивший из святилища, где хранилась статуя покровительницы храма Одиннадцатиликой Каннон. Когда же монахини совершили перед статуей ритуал «Каннон косики», над её головой появилось изображение будды Амиды в ослепительном белом сиянии. На картине ⸺ лишь воспоминание одной из монахинь о прекрасной богине, отражающейся в воде чудотворной купальни у храма.

    Воспоминание.jpg

    В 1911 году Накадзава основал Японскую ассоциацию акварелистов, продолжая активно выставляться. В 1922 году он совершает поездку в Европу, а в 1937 г. становится членом Императорской академии художеств.
    В мае 1964 года, за три месяца до смерти, Накадзава Хиромицу награждается Орденом Восходящего солнца с золотыми лучами III степени.
     
    La Mecha, Ондатр и list нравится это.
  25. Ондатр

    Ондатр Модератор

    Сообщения:
    32.899
    Симпатии:
    13.415
    накадзава Нихонбаси.jpg


    накадзава Канъити чёртово золото.jpg накадзава Морской цветок 1912.jpg
     
    takedo нравится это.

Поделиться этой страницей